Night Fishing

Não acredito que exista uma receita para a criatividade, pelo contrário, sei que cada pessoa tem uma personalidade única, com complexidades e pensamentos diversos. Mas a cada dia que passa começo a aceitar mais e mais a ideia de que alguns limites e amarras pressionam o artista a buscar novos caminhos. É o caso, por exemplo, do recente post The Hire, onde, convidados por uma marca, diversos diretores criaram seus filmes com a condição lógica de expor o produto. Mesmo com a condição imposta, os resultados mantiveram a qualidade e a identidade de seus diretores. Um caso parecido é o filme Night Fishing.

Dirigido pelo sul coreano Chan-Wook Park, o filme foi realizado em 2011 e patrocinado pela Apple.O diretor alcançou reconhecimento mundial com Old Boy, filme de 2003 que compõe a Trilogia da Vingança.A trilogia, como diz o nome, trata de histórias centradas na vingança, sem economizar violência e drama.  Em Night Fishing o diretor conta uma história sobre a morte de um ponto de vista místico e religioso.

                     

Penas

 O que pode acontecer quando um homem se depara com penas crescendo no seu braço? É câncer? Ele vai morrer?

Dirigido por Paulinho Caruso, Penas é uma adaptação da história em quadrinhos homônima do cartunista Laerte Coutinho. Exibido no ano passado no 23º Festival Internacional de Curtas Metragens de São Paulo, o filme conta com a presença do próprio Laerte e dos cartunistas Angeli, Alcy , além de Paulo Caruso, pai do diretor.

A história, com um non-sense inspirador, foi publicada em 1988 na revista Chiclete com Banana e não possui um destino certo. Um homem comum passa a ter penas brancas no braço e começa a “alçar vôos” mais altos na vida. 

 

Stop Motion.

Making of de ParaNorman, 2012

Para não me repetir (ainda mais) sobre o assunto stop motion, optei por incluir no post três autores que usam a técnica como base de seu trabalho, estão em atividade atualmente e sempre me impressionaram.

Atualmente desgastada, mas sem perder seu prestígio, a técnica de stop motion sempre impressiona o público, principalmente quando o processo de execução é esclarecido. Aparentemente inovadora, a técnica é uma espécie de engenharia reversa do conceito básico de imagem cinética: são sequências de fotografias com pequenas alterações de movimentos. Quando usada com atores reais, o stop motion reduz a projeção e move os atores de formas não convencionais, evidenciando o uso da técnica e renegando a ilusão de movimento natural da imagem cinética. Mas na maioria das vezes o recurso é utilizado com bonecos ou objetos inanimados, que então se tornam personagens ou são usados como efeitos visuais. A técnica ganhou espaço nos longas infantis com grandes produções como O Estranho Mundo de Jack, Fuga das Galinhas e os mais recentes ParaNorman e Frankenweenie.

  

Como foi dito, a técnica em si existe desde a origem do cinema, e por isso já foi usada por diversos realizadores. Nos tempos do chamado cinema primitivo, o diretor espanhol Segundo De Chomón já explorava o stop motion em seus filmes. Um dos percussores da técnica na animação, Ladislas Starevitch já animava insetos mortos em 1911. Outro grande autor do leste europeu, Jan Svankmajer desenvolveu boa parte de seu trabalho a partir do stop motion, mesclando pessoas e objetos e criando atmosferas surreais. 

PES

Na recente última edição do Oscar, Adam Pesapane (PES), um animador francês, discípulo do stop motion, concorreu ao prêmio de melhor curta-metragem de animação. PES cria filmes curtos, com cerca de um minuto e meio, utilizando utensílios domésticos, ferramentas, comidas e outros objetos como personagens e cenário. Seu filme, Fresh Guacamole é o filme mais curto a ser indicado na história do Oscar. Todos seus filmes estão disponíveis no seu canal do Youtube, PES Films.

                 

BLU

BLU é um grafiteiro italiano de renome internacional. Seu trabalho sempre questionador e combativo, se apresenta geralmente em pinturas de grande escala nos muros das cidades.  Talvez ele não tenha sido o primeiro a usar o stop-motion em pinturas desse tipo, mas é impressionante o modo como seu estilo, já tão forte como imagem estática, se desenvolve nas transformações que conduzem os filmes. Suas obras estão disponíveis no site BLU.

                     

Lúcia y Luis

Criados para compor uma instalação mista de vídeo e artes plásticas, os dois filmes foram dirigidos por Joaquin Cociña, Niles Atallah e Cristobál Leon. As duas narrativas agem de forma complementar e contam de diferentes pontos de vista uma história trágica de amor e terror. Os filmes são narrados por vozes infantis que sussurram os acontecimentos que são ilustrados pelos movimentos do quarto e por desenhos na parede.

                    

                    

Amor Só de Mãe

Disse um campônio à sua amada:

"Minha idolatrada, diga o que quer

Por ti vou matar, vou roubar

Embora tristezas me causes mulher

Provar quero eu que te quero...

[...] "Se é verdade tua louca paixão

Parte já e pra mim vá buscar

De tua mãe, inteiro o coração...

Os versos acima foram gravados por Vicente Celestino na década de 50 e serviram de base para que Dennison Ramalho executasse sua adaptação, ou como ele prefere: sua “livre perversão” da música.

O diretor é um dos poucos nomes a produzir para o carente público de filmes de terror, gênero inexistente no cinema comercial da atualidade e raríssimo na filmografia nacional. Autor de três curtas até agora (Nocturnu, Ninjas), todos de terror, Dennison alia qualidade técnica a elementos como a violência explícita, religiões e o sobrenatural. 

Apesar de amado por alguns, o cinema de terror é mal visto por muitos, o que talvez intensifique a sua ausência nas salas brasileiras. Sobre o preconceito sofrido pelo gênero o diretor comenta: “[...]paga-se um preço muito alto por trabalhar com esse gênero, que é tido como vulgar, agressivo, gratuito e barato. São filmes de confrontação, que não querem ser agradáveis, e sim mas causar angústia, outras emoções. E a classe acadêmica tem uma grande responsabilidade nesse tipo de reação, pois ela está intrinsecamente ligada ao fazer cinema no Brasil. Tem os caras tipo a Maria Dora Mourão (que é montadora), a Marília Franco, o Ismail Xavier, que tiveram a cabeça muito feita pelo Cinema Novo e pela Nouvelle Vague, e que defendem uma matriz intelectualizada para a nossa cinematografia. Eles e acham que é terrível e vulgar ver um filme brasileiro fantástico ou de entretenimento, ou meramente sensorial" 

(trecho da entrevista publicada no site Carcasse: LINK)

Com todo o desprezo recebido ao longo dos anos, é possível que o gênero fosse inédito, ou não tivesse expressão nenhuma em nossa história, se não fosse por Zé do Caixão, autor de cerca de 30 filmes e ídolo de muitos fãs do cinema de terror. Entre os fãs está o próprio Dennison Ramalho que teve a oportunidade de trabalhar com Zé do Caixão em A Encarnação do Demônio, último longa-metragem do diretor. A parceria no longa pode ser vista como uma legitimação de Dennison como representante do terror nacional.

                     

Paperman

Na semana passada, a Disney disponibilizou no seu canal oficial no youtube o seu mais novo curta metragem: Paperman. Dirigido por John Kahrs, o filme mescla novas tecnologias com o traço de 2D da Disney, e é um dos indicados a melhor curta metragem de animação deste ano.

Mudo e em preto e branco, Paperman tem como pano de fundo a cidade de Nova York, aparentemente no meio do século XX, e narra a história de um rapaz solitário que encontra casualmente a mulher de seus sonhos.

Sendo exibido antes do longa Detona Ralf, o curta utiliza a tecnologia Final Line Advection, que preserva os traços do desenho feito à mão com ajuda de computação gráfica. Este tipo de tecnologia transforma a animação em uma espécie de híbrido de 2D e 3D e ainda é inédita no mercado.

                       

E olha só que legal, além de disponibilizar o curta, a Disney colocou uma sequência de vídeos como o diretor de Paperman que mostra a produção do curta:


                        

                 
                   

The Hire

Uma coisa rara quando se fala em curta-metragem é investimento. Por não terem um circuito comercial de exibição e nem serem "vendidos" de nenhuma outra forma, os filmes de curta-metragem não são um formato muito atraente para grandes marcas e empresários. Mas não que essa característica tornem esses filmes menos interessantes, muito pelo contrário, a ausência de investimento estimula os autores a desenvolver formas criativas, inovadoras e baratas de contar suas histórias. Afinal, essa liberdade é o que torna o curta-metragem um espaço tão usado para linguagens experimentais.

Mas é impossível negar que apesar das soluções serem infinitas ao longo da história dos filmes curtos, alguns gêneros cinematográficos nunca puderam atravessar a ponte entre o longa e o curta-metragem. O maior exemplo é o gênero ação. Famosos por grandes explosões, perseguições automotivas, tiroteios, lutas e coisas do tipo, os filmes de ação sempre foram responsáveis por grande parte da renda do cinema comercial mundial (principalmente americano), e tem fãs por toda parte.

Apesar de rara a equação - curta-metragem + investimento - , ela não é inédita. Entre 2001 e 2002, a BMW produziu uma série de oito filmes curtos para serem disponibilizados na internet. O  projeto da empresa juntou os diretores David Fincher (Clube da Luta, A Rede Social), John Woo (A Outra Face, Missão Impossível 2), Ang Lee (Brokeback Mountain, A Vida de PI) , Guy Ritchie (Snatch, Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes), Alejandro Gonzalez Iñarritu (Babel, Biutiful), Wong Kar-Wai (Amores Expressos, Um Beijo Roubado), e os irmãos Ridley (Blade Runner, Falcão Negro Em Perigo) e Tony Scott (Top Gun, Chamas da Vingança). Os filmes, com cerca dez minutos cada um, tem em comum o ator Clive Owen no papel de motorista e sempre um dos carros da fábrica. As condições parecem restritivas e obviamente todos os filmes tem perseguições e cenas de velocidade para exaltar as qualidades do produto, mas os filmes variam seus estilos estéticos e suas histórias de forma tão competente que é impossível não perceber as assinaturas de seus respectivos autores.

Apesar de gostar da ideia e da execução dos filmes, prefiro postar só os meus favoritos para não alongar ainda mais a postagem, mas deixo o link aqui para os outros filmes: LINK.

Abaixo, os meus favoritos:

BEAT THE DEVIL

Em uma maravilhosa mistura de influências como o Fausto de Goethe e a velha lenda sobre a origem do talento de Robert Johnson, Tony Scott nos conduz através da jornada do velho e cansado James Brown que almeja recuperar sua juventude. Na história, o cantor reencontra o demônio para negociar favores e prolongar seus dias de glória. Além de James Brown, o filme conta com Gary Oldman, Danny Trejo e Marilyn Manson.

                   

POWDER KEG

Iñarritu realiza aqui o filme mais sério dos oito, fazendo a relevância do carro (e de sua performance) sumir entre um ambiente político, uma fotografia muito própria e algumas reflexões sobre a fotografia e o ato de representar/ registrar a realidade. O curta conta a história de um fotógrafo de guerra que, infiltrado entre guerrilheiros, presencia um assassinato e passa a ser caçado. Com a intenção de salva-lo a ONU envia um motorista para o resgate.

                     

THE HOSTAGE

Entre os três, talvez o filme de John Woo seja o menos criativo. A situação é até bastante clichê dentro do universo dos filmes de ação, mas esse universo é sua especialidade, e um clichê bem executado tem seu valor. No filme o motorista é contratado para negociar com um sequestrador, as coisas não saem como o esperado e o homem se suicida sem revelar a localização da vítima. Depois de um rápido raciocínio o motorista consegue entrar em contato com a mulher que está presa e parte em socorro. O filme é a imagem perfeita de um filme de ação, com alguns requintes estéticos.

                  

A Plataforma

Quando criado, o cinema (e o fazer cinema) era nada mais que capturar e projetar imagens de forma rápida e sequencial,  alcançando assim a ilusão de movimento. Fotogramas em movimento, ilusão que nos entretém até hoje com sua velocidade padrão de 24 frames por segundo. Antes de surgir como forma de expressão artística, indústria ou até antes de ter pretensões narrativas, o cinematógrafo era um dispositivo que impressionava com sua mágica de exibir fotografias em movimento.

Mais de sessenta anos depois da invenção dos irmãos Lúmiere, um filme questiona a linguagem cinematográfica estabelecida e desenvolve uma narrativa complexa e sensível sem o uso do truque mais básico do cinema: a imagem em movimento. 

                                                                  Dirigido por Chris Marker em 1962, o filme ousa abrindo mão do movimento, mas, por outro lado, compensa com uma narração densa e mantém a exibição sequencial das imagens. No campo temático, o curta-metragem encara com coragem um dos temas mais complexos da ficção científica, a viagem no tempo. Linguagem e temática se aliam e tomam como base a ideia da fotografia como abrigo da memória, conceito que conduz a trama do início ao fim.  

Ambientado em um mundo devastado pela terceira guerra mundial, o curta tem como protagonista um prisioneiro que é usado como cobaia por cientistas. Os experimentos tem como objetivo enviar alguém para o passado em busca de recursos que viabilizem a continuidade da vida do presente. A Plataforma de Chris Marker é a principal influência do filme Os Doze Macacos de Terry Gilliam, um dos maiores filmes de ficção científica das últimas décadas. 

Abaixo o filme dividido em três partes:
  

                     


                     


                     

O outro lado de Jim henson

Jim Henson é um grande exemplo de como um artista pode criar coisas distintas e ser bem sucedido nisso. Conhecido por ser o criador e manipulador dos Muppets, Henson se tornou um dos grandes nomes da televisão americana produzindo seriados de bonecos como a Vila Sesamo , Fraggle Rock e o próprio The Muppet Show. Porém, além da carreira televisiva, Henson também trabalhava como roteirista e diretor, e nos 60 passou a participar de projetos de comerciais e filmes experimentais.

 

(1963) Robot 

Em 1963, Henson dirigiu e escreveu Robot, um curta metragem encomendado por uma empresa de Comunicações para ser exibido em um seminário, cujo tema era a relação entre o homem e a máquina.

                     

(1965) Time Piece

Exibido pela primeira vez em maio de 1965, no Museu de Arte Moderna, Time Piece é escrito,dirigido, produzido e estrelado por Jim Henson. O curta , de quase 2 minutos de duração, é uma obra surrealista que explora e analisa a passagem do tempo de forma criativa e ágil. No Oscar daquele ano, Time Piece foi indicado à melhor curta.

                      

(1967) Ripples

Em Ripples,de 1967, Henson explora a consciência humana. Imagens da vida de um homem são sobrepostas em ondulações (aquela ondinha que forma quando se joga uma pedra na água) e tudo isso é embalado pela uma trilha sonora de Raymond Scott, que utiliza sons elétricos para criar um efeito de fluxo de consciência. 

                     

(1967) The Paperwork Explosion

The Paperwork Explosion é mais um ‘’filme encomenda’’ de Henson. Sendo um pedido da IBM, o curta explora o novo lançamento da empresa, o Magnetic Tape Selectric Typewriter , e enfatiza a importância de aparelho que facilitam a vida dos homens. "As máquinas devem trabalhar, as pessoas devem pensar."

                    

The Archive

Um colecionador é, acima de tudo, alguém que ama aquilo que guarda, alguém que enxerga naquele objeto um grande valor e sente a necessidade de ter aquilo, e se possível apresentar para outras pessoas. A descrição acima talvez funcione melhor para colecionadores de artigos culturais como livros, filmes, fotografias e música, como é o caso de The Archive. 

Essa necessidade em alguns casos é tão forte que chega a parecer (ser) um vício, algo que te impede de dormir. Depois de aceita a responsabilidade de colecionar, é impossível para alguns desses colecionadores se ver livre do fardo de ser o guardião da boa cultura (termo que varia na opinião de cada um).

E todos esses sentimentos foram sutilmente captados por Sean Dunne em seu documentário, The Archive. O filme conta a história de Paul Mawhinney, colecionador que ostenta a maior coleção de discos do mundo, e que agora, velho e doente, antecipa com tristeza o fim de seu acervo: o esquecimento.

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The Paleface

Na década de 20, auge do cinema mudo, o gênero cômico se destacava por sua popularidade e seus grandes representantes. No entanto, poucos desses nomes sustentaram sua popularidade até os dias atuais, foram, em sua maioria, eclipsados por Charles Chaplin e seu cinema cômico-dramático-social. Entre os palhaços do cinema mudo, alguém que pôde rivalizar com Chaplin em qualidade foi Buster Keaton. Com sua expressão impassível, Keaton conduzia gags físicas de alto risco, praticamente sem auxílio de efeitos, o que gerava espanto e diferenciava seu cinema. Raramente sofria lesões durante as filmagens, o que lhe rendeu apelidos como "The Little Boy Who Can't Be Damaged" ( O garoto que não pode ser ferido). Apesar de talentoso e popular, Keaton não se adaptou tão bem ao cinema falado, e depois de assinar um contrato com a MGM em 1928, se viu podado pelo estúdio que o impedia de realizar suas acrobacias e atava sua liberdade criativa. Sua carreira no cinema declinou lentamente, mas sua atuação nunca cessou completamente.  Keaton apresentou um programa de televisão nos anos 50 e realizou aparições em filmes como Crepúsculo dos Deuses (Billy Wilder) e Luzes da Ribalta (Charles Chaplin), ambos filmes que retratavam o saudosismo do cinema mudo.

                   

Luzes da Ribalta, Charlie Chaplin, 1952

Em The Paleface, Buster Keaton encontra uma aldeia indígena enquanto caçava borboletas, os índios - que haviam sido ameaçados de despejo e tiveram um de seus mensageiros raptados por barões do petróleo que almejavam suas terras, o que motivou uma postura hostil contra o homem branco - perseguem o invasor cara-pálida para se vingar. Depois de provar seu valor sobrevivendo à uma fogueira, Keaton se alia aos índios para proteger a aldeia.

                   

Phono 73

No ano de 1973, a extinta gravadora Phonogram organizou em São Paulo um festival com a presença de todo seu elenco de artistas. Com duração de três dias, subiram ao palco do festival nomes como Toquinho, Vinícius, Sérgio Sampaio, Chico Buarque, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Raul Seixas, Elis Regina, entre outros. No ano da realização do festival, o Brasil vivia o período mais rígido e repressivo da ditadura militar, os chamados Anos de Chumbo, e aqui  vem a parte mais curiosa da história: A Phonogram realizou o evento com a intenção de tirar do Regime Militar a impressão de que era um ninho de artistas subversivos e combativos. O resultado, que não foi bem o esperado pela gravadora, foi registrado no vídeo abaixo. Sem diálogos, sem enredo, nada além de música e história.

                

La Luna

 La Luna, o mais recente curta metragem da Pixar, finalmente vazou na internet! Dirigido pelo italiano Enrico Casarosa,o curta foi exibido nos cinemas antes do filme Valente(Brave) e concorreu ao Oscar de melhor curta de animação deste ano.

O curta,rodeado por uma atmosfera fantástica e mágica, mostra um garotinho que acompanha pela primeira vez o seu pai e o avô no caminho do trabalho, dentro do bote de madeira La Luna. Ao invés de se deparar com um trabalho convencional, o menino se surpreende e acaba descobrindo um ofício singular e brilhante.

Para contar a história de La Luna, Casarosa usou referências pessoais (como a relação entre seu pai e seu avô) e culturais (como o conto A Distância da Lua, de Ítalo Calvino).Metaforicamente,La Luna mostra o rito de passagem do garotinho, que deve decidir entre seguir os hábitos e a tradição de sua família ou fazer as coisas do seu próprio jeito.

                                 

Terra Sem Pão

Lembrado principalmente por sua co-autoria em Um Cão Andaluz, Luis Bunuel é tido na história como o símbolo do surrealismo na sétima arte. Em 1933, o diretor espanhol se aventura pelo documentário, gênero inédito para ele até então, e registra a vida de uma região isolada e esquecida do país, Las Hurdes. As imagens e a narração guiam o espectador ao longo da terra sem pão do título. Pessoas miseráveis vivendo em condições sub-humanas são expostas em imagens impressionantes. Apesar de não inovar no formato, Bunuel imprime seu estilo com a câmera, em cenas de impacto como a da morte do burro, e principalmente com a temática social. O relato das condições vividas no vilarejo não foi bem recebido pelo governo espanhol, que na época viva um período de alta instabilidade, e o cineasta foi exilado do país. Terra Sem Pão é um primeiro passo na direção de filmes mais realistas como Os Esquecidos, que vão redefinir a carreira do diretor espanhol. O "Cinema da crueldade", como André Bazin define, realizado por Bunuel é um dos retratos mais ásperos da miséria humana.


                 

North Atlantic

Nos últimos dias fiquei curioso sobre o cinema português. Ouvi alguém elogiando a Cinemateca Portuguesa e sua maravilhosa programação, a partir disso comecei a pensar: "Por que o cinema português não é consumido (em escala significativa) por aqui?".Talvez eu esteja desinformado, mas vejo muito mais filmes franceses, espanhóis, argentinos e até asiáticos em cartaz no circuito alternativo por aqui. O idioma comum,  nossa maior ligação com Portugal, deveria facilitar esse acesso, mas não é muito fácil acompanhar a velocidade dos portugueses. Assistindo alguns curtas eu fiquei totalmente perdido sem legenda. Talvez falta de hábito, talvez não. Mas de qualquer jeito, acredito que seja uma fonte pouco explorada do cinema europeu.

O filme de hoje não é um clássico do cinema português, mas me impressionou muito (e no fim, é isso que conta). Premiado em Milão e Varsóvia, North Atlantic, usa o formato do curta-metragem da maneira mais correta possível. Com uma situação chave, baseada em um fato real, Bernardo Nascimento conta uma história comovente sem esticar demais a situação.

                    
Espero que esse seja o primeiro de muitos filmes portugueses no blog.

Winsor McCay

Motivado por esse doodle (aquelas variações interativas no logo do Google que geralmente indicam alguma comemoração) fui conhecer o trabalho de Winsor McCay e já sou muito grato ao Google por isso. O artista faz parte da história, principalmente, por duas contribuições: Little Nemo in The Slumberland, tira publicada semanalmente no jornal New York Herald entre 1905 e 1911; E Gertie, The Dinosaur, animação criada em 1914.

Em suas tirinhas, o cartunista Winsor McCay, contava as histórias de Nemo, um garoto que vagava por seu imaginário, sempre conduzido por algum personagem desse estranho universo. Nos primeiros anos, Nemo era sempre convidado pelos personagens, que se apresentavam como servos do rei Morpheu, para conhecer seu reino de sonhos e sua filha, a princesa Camille. Ao longo do trajeto alguma coisa sempre dava errado e,  tomado pelo medo, Nemo acordava em sua cama e era repreendido ou consolado por seus pais que haviam acordado com os gritos do menino. Nos anos posteriores, a partir de 1906, Nemo alcança as portas de Slumberland, e novos personagens são introduzidos aos leitores.

Apesar de repetir semanalmente a mesma fórmula - Nemo dormindo, viagem, problema, Nemo acorda assustado – o autor conseguiu continuar criativo dentro desses limites. As aventuras sempre introduziam novos cenários e personagens, cenas fantásticas lindamente produzidas pelas mãos do artista.

                 

Em suas experimentações na área do cinema, Winsor McCay, teve lugar de destaque entre os pioneiros da animação. Seu primeiro filme, Little Nemo, de 1911, apresenta o processo de criação de um desenho animado de forma didática, mas ainda sim conduzida por uma narrativa, apesar de simples. Em uma reunião com amigos, o cartunista aposta que pode dar movimento aos seus personagens, sendo alvo de piadas no mesmo momento. Um mês depois, com quatro mil telas desenhadas, McCay apresenta os personagens de Little Nemo em movimento, e até coloridos. O mesmo esquema se repete em Gertie, The Dinosaur, quando reunido com seus amigos cartunistas em um museu, o artista se dispõe a exibir um dinossauro se movimentando. Ao fim de seis meses de trabalho, McCay apresenta Gertie, seu dinossauro domado que obedece a seus comandos.

                            



PS: As tiras de Winsor McCay, de 1905 e 1911 estão disponíveis no link: Little Nemo.

Cartas para Mãe

Cartas para Mãe é um curta que mostra os pensamentos escritos pelo cartunista Henfil em cartas para sua mãe, Dona Maria.Permeadas de indignação política, as cartas foram publicas em jornais e livros, e relatam cronicamente o Brasil de trinta anos atrás e a trajetória de Henfil até a sua morte.
Para dar vida a essas cartas, o curta documentário,dirigido por Fernando Kinas e Marina Willer, trás entre seus depoimentos figuras célebres como cartunistas Angeli e Laerte, o ex presidente Lula, o escritor Luis Fernando Veríssimo e do jornalista Zuenir Ventura.
A narração das cartas é feita pelo ator e diretor Antônio Abujamra e tem como pano de fundo imagens do Brasil contemporâneo, o que faz com que a escrita de Henfil dialogue com o presente.
Henfil, além de cartunista, também foi um grande ativista político no período da ditadura militar.Seus desenhos se tornaram famosos por esse ‘’quê’’ político e crítico e serviram,também, para simbolizar a luta pela democratização política do país.Mais tarde,em 1980, Henfil ajuda a fundar o Partido do Trabalhadores (PT) e consolida seus interesses sindicais.

Subwars

Subwars, curta-metragem dirigido pelo chinês Sean Soong, é uma ilustração perfeita dos devaneios de qualquer garoto que tenha entrado em contato com algum tipo de cultura violenta. E digo que “é uma ilustração perfeita” por ter sido um garoto como o do filme. Cresci assistindo TV e jogando videogame. Nessas longas horas de entretenimento eu fui abastecido com ação e violência por todos os lados. Entre as fontes que eu dispunha estavam: animes, quadrinhos, filmes e jogos de guerra e luta. Em meio a explosões, tiros e socos, sempre ficava sonhando presenciar, ou até protagonizar aquele tipo de cena. Com seu talento para a animação, Sean Soong teve a oportunidade de recriar essa experiência e exibiu no épico massacre algumas de suas referências culturais como: Star Wars e Naruto. Para quem compartilha esse passado/ gosto, o filme é sensacional.

Ervilha Fantasia

“Moinho de versos movido a vento e noites de boemia.Vai vir um dia quando tudo que eu diga seja poesia”

Podemos dizer que o documentário Ervilha Fantasia capta a essência de Paulo Leminski. Sendo um dos trabalhados mais importantes sobre o poeta, o documentário descreve todo seu pensamento sobre poesia,literatura,cinema e psicanálise.
Com depoimentos registrados em 1985 e reeditados posteriormente a morte de Leminski, o documentário é dirigido por Werner Schumann e foi direcionado para a televisão.
Paulo Leminski morreu quatro anos depois da realização de Ervilha Fantasia,deixando marcado neste documentário a sua visão e descrição do que é ser um poeta e de toda a cultura e pensamentos que permeavam sua mente.

Anjos Caídos

Para mim, uma das coisas mais bonitas no cinema é a possibilidade de guardar e reproduzir lembranças- mesmo que elas sejam fictícias. Essa condição de "memória" e de armazenamento de imagem e som dão um realismo e uma imaginação de vivência absurda, de forma que as lembranças de uma pessoa passam a ser partes das nossas também.
Em Anjos Caídos, acompanhamos as lembranças de uma velha senhora, que relembra sua juventude.O curta é escrito e dirigido pelo renomado diretor Roman Polanski que, através de flashbacks, reconstrói a memória da senhorinha.É um dos primeiros curtas do diretor e já percebemos alguns pontos de sua estética. Particularmente, acho sensacional o jeito com que Polanski trabalha com a luz e a câmera nesse filme .
A história do filme foi tirada do conto "Klozet Babcia" ,escrito pelo polonês Leszek Szumanski. A tradução para "Klozet Babcia" é "Toilet Granny" , que é o nome dado à mulheres que trabalham nos banheiros e cuidam dos papéis higiênicos. Outra curiosidade é o próprio Polanski atua no flashback que mostra a Segunda Guerra Mundial.

Jó

Jó, curta-metragem de 1993, dirigido por Beto Brant, coloca em cena dois elementos que sempre me interessaram muito: linguagem e história. Respectivamente efeito Kuleshov e a história de Jó – como sugere o título. O efeito Kuleshov foi um experimento conduzido pelo teórico Lev Kuleshov na primeira década do século XX. O experimento consiste na intercalação de um plano fechado que mostra um homem com uma expressão fixa e outros três planos curtos: um prato de comida, um bebê e uma mulher.

Da combinação de cada plano com o plano que mostra o homem nasce um significado diferente, como, fome, comoção ou desejo. Esse experimento é uma das bases das teorias cinematográficas soviéticas de Sergei Eisenstein e Pudovkin, que afirmavam a montagem como base da significação fílmica. O curta de Beto Brant apesar de não ser idêntico, me lembra muito o experimento soviético.

O outro ponto interessante é a história de Jó, de origem bíblica, e o desfecho criado pelo diretor. A história de Jó, que muitos afirmam ter inspirado Goethe a escrever “Fausto”, fala sobre um episódio em que o Diabo pede permissão a Deus para tentar corromper um homem, através das perdas, o demônio argumenta que a fidelidade de Jó à Deus está totalmente relacionada aos benefícios que o homem recebe na relação. Depois de arruinado Jó permanece fiel a seu criador. Nesse “jogo” o fiel perde tudo o que tinha: a vida de seus filhos, sua casa e suas riquezas.

O curta é bastante criativo e experimental, características que marcam essa fase do diretor, antes dos longas e da parceria com o escritor Marçal Aquino.